CINE-OCULTO

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martes, 17 de enero de 2017

CAMINO A LOS OSCARS: LA LA LAND



Titulo original: La La Land
Director: Damien Chazelle
Guión: Damien Chazelle
Fotografía: Linus Sandgren
Música: Justin Hurwitz
Reparto: Ryan Gosling, Emma Stone, JK Simmons, John Legend, Rosemarie De Witt, Finn Witlrock
Distribuidora: Summit Entertainment
Nacionalidad: Estados Unidos
Duración: 127 minutos



"La La Land" (Idem, Damien Chazelle, 2016) es una peripecia maravillosa. Es la vuelta al genero musical que yacía muerto desde hace mucho tiempo. El hype funcionó y me divertí como si fuera mi última vida. Las canciones fueron pegadizas e inolvidables. Chazelle ha hecho que el espectador (sobretodo to) caiga en sus brazos ante su nuevo film, una nueva obra maestra. Una nueva maestra de un director que tiene tan sólo treinta y pocos años. Es una delicia que cualquier publico debe (y debería) de disfrutar. Es un canto a la vida y a los sueños de cada persona. "La La Land" narra el encuentro fortuito entre dos personas totalmente diferentes. Una actriz con sueños y un cantante de jazz. Sus encuentros amorosos, sus dificultades y sus vidas en la ciudad de las estrellas, la famosa llamada Los Angeles...


El guión de Chazelle es delicioso. Los tres actos son espectaculares y como película romántica funciona de principio a fin. Los diálogos están incrustados en los mejores momentos y las canciones igual. Tiene ritmo, acción y nostalgia, mucha nostalgia. Un guión que recuerda a "West Side Story" (Idem, Robert Wise, Jerome Robbins, 1961) o "Vuelve a mí" (The Barkleys of Broadway, Charles Walters, 1949) con "Casablanca" (Idem, Michael Curtiz, 1942)  y "Rebelde sin causa" (Rebel without a cause, Nicholas Ray, 1955). Tiene ese gancho que cautivaría a cualquier público de cualquier edad. Es un dulce drama lleno de vida, es la historia de cualquier soñador. Es la vida de todos aquellos que luchan por su futuro en cualquier momento de su corazón. Chazelle ha convertido que "La La Land" se convierta en una gran fábula pragmática e inolvidable. El futuro del musical es mirar al pasado...


Ryan Gosling y Emma Stone, los bellezones que son, están fabulosos. El papel de cantante frustrado con el futuro de jazz es creíble, y a veces, nostálgico y triste y el papel de actriz fracasada en busca de un futuro mejor es maravilloso. Aunque no sean el plato fuerte de la película (hay recae el guión y la gran dirección de arte), son el Fred Astaire y la Ginger Rogers del siglo XXI. Soñamos con la ciudad de las estrellas... La fotografía de Sandgren uniendo los colores más llamativos del género musical. El morado y el amarillo. Tiene algo que hace que la película sea importantísima para el mundo del cine. Y es su espectacular plano secuencia inicial (también sus desenfoques cuidado). La llave para el éxito cinematográfico. Gracias Sangren, gracias Chazelle. Y como no, no hay que dejar atrás la música de Hurwitz, el amigo de la infancia de Chazelle, quien consigue transmitir con sus piezas musicales una vida llena de altibajos al espectador, una diversión de comedia y tragedia. Nadie saldrá defraudado... Un sobresaliente en toda regla.


Chazelle es el futuro del musical. Es el nuevo genio de los años 40 y 50. Tiene ese artilugio musical en su corazón que consigue transmitir sentimiento a cualquiera. "La La Land" es sublimemente clásica, es bellamente presente y es el futuro más acogedor y realista. Tiene pasión, melancolía y amor. De este año, se ha convertido en la futura película más aclamada de la historia musical. ¡¡¡"CITY OF THE STARS"!!!

NOTA CINE-OCULTO: 8,5/10


sábado, 14 de enero de 2017

CRÍTICA: PASSENGERS



Título original: Passengers

Director: Morten Tyldum
Guión: John Spaihts
Fotografía: Rodrigo Prieto
Música: Thomas Newman
Reparto: Jennifer Lawrence, Chris Platt, Laurence Fishburne, Michael Sheen
Distribuidora: Columbia Pictures
Nacionalidad: Estados Unidos
Duración: 116 minutos



El culto a la ciencia-ficción se está apoderando de los cines. "Passengers" (Idem, Morten Tyldum, 2016) está dentro de este género y, aunque sea totalmente superficial, limpia, bella y perfeccionista puede llegar a ser aburrida en algunos puntos del film. La belleza de Jennifer Lawrence y de Chris Platt son lo más destacado del film donde la ética se pierde por los cerros de Úbeda y la intención (conflicto interno) es ínfima. La belleza erradica en los pequeños pero intensos dramas que existen como en los sugerentes tonos musicales de Newman. En fin, es entretenida pero no excepcional. "Passengers" cuenta como una nave espacial viaja a un planeta lejano transportando personas. Cuando sufre una avería, uno de los pasajeros despierta mientras todos duermen. Se horrorizará cuando se dé cuenta que faltan noventa años para llegar al lugar donde deben de acudir y solamente esté él despierto...


El guión de Spaihts es mediocre. Una historia de la que se podría sacar jugo termina siendo aburrida y predecible. El arco de los personajes son muy cortos y poco intensos y los conflictos personales muy vacíos. Lo más destacable es el tono dramático a lo largo de la parte final del film y como se desarrolla dando rienda suelta al tema ético de la soledad y el compañerismo como del amor. El juego se desarrolla con dos únicos personajes quienes deben de llevar la historia a buen puerto. Un guión que busca la felicidad como la vida bien vivida. Un guión entretenido con altibajos...

Chris Platt cumple con su cometido. Su papel como el de Jeniffer Lawrence son testimoniales. Lo importante erradica en el guión, o mejor dicho, en la intención del guión. La presencia de los dos actores fluye para atraer al público con su belleza y, a la vez, con la buena química que tienen entre los dos. Tyldum consigue desenvolverse bien en su faceta actoral. Su dirección es estable y decente. La dirección de arte está muy bien cuidada y recuerda mucho a series como "Extant" (Idem, Mickey Fisher,  2014) o películas como la magistral "Ex-Machina" (Idem, Alex Garland, 2015). La fotografía totalmente fría y superficial no es su fuerte donde peca Rodrigo Prieto y los efectos no son tan espectaculares como se esperaba, pero la música de Newman sí que es preciosa y en sí, es lo más destacado del largometraje.


"Passengers" es una epopeya a la vida y en contra de la soledad. Es una historia de amor forzada con toques de ciencia ficción. Con un planteamiento resultón, dos bellezones actuales y sucesivos planos sin intención ni metafórico ni retóricos. "Passengers" sí mantiene un tercer acto bueno y maravilloso pero no en total, no es del todo perfecta..., se convierte en un film para el publico hecho como si fuera por el publico...

NOTA CINE-OCULTO: 5,5/10

lunes, 9 de enero de 2017

CRONICA GLOBOS DE ORO 2017



La denominada antesala de los Oscars. Los Globos de oro son los premios que otorgan periodistas y cineastas a las mejores películas y series del 2016. Algo parecido a los Oscars, pero no gente con tanto renombre (en las votaciones digo). Hay que mencionar que la temporada de premios comenzó a principio de Diciembre con las diferentes victorias de "La La Land" (Idem, Damien Chazelle, 2016), "Moonlight" (Idem, Barry Jenkins, 2016) o "Manchester frente al mar" (Manchester by the sea, Kenneth Lonengan, 2016) en los gremios de críticos, o sea, los premios de cada estado norteamericano. Anoche disfrutamos de las peripecias de Jimmy Fallon para ser el presentador, las canciones de la triunfadora "La La Land" y el alegato de Meryl Streep, pero lo más importante fueron los premios. "La La Land" consigue el récord de ser la película con más globos de la historia en una misma ceremonia. Nada más nada menos que 7 Globos de oro. También hubieron sorpresas, sobretodo en el premio a actor secundario y en los apartados de series que dejaron de lado "Juego de tronos" (Game of Thrones, David Benioff, DB Weiss, 2011-?), "Westworld" (Idem, Jonathan Nolan, 2016-?) o "Stranger Things" (Idem, Duffer Brothers, 2016-?).



La segunda película con más premios fue a parar a "Elle" (ídem, Paul Verhoeven, 2016), el film de Paul Verhoeven que dará mucho que hablar en los Oscars. Viola Davis consiguió su ansiado Globo de oro y el "otro" Affleck dejó boquiabiertos a todo el mundo con su papel en "Manchester frente al mar" y, como no, ese el año del cine afroamericano y la grandiosa "Moonlight" se llevó el premio a Mejor película dramática. Viva el cine y, sobretodo, la ¡¡¡VARIEDAD!!!

PREMIOS GOLDEN GLOBES 2017:

Mejor película drama: Moonlight
Mejor película de comedia/musical: La La Land
Mejor director: Damien Chazelle por "La La Land"
Mejor actor dramático: Casey Affleck por "Manchester frente al mar"
Mejor actor de comedia/musical: Ryan Gosling por "La La Land"
Mejor actriz dramática: Isabelle Huppert por "Elle"
Mejor actriz de comedia/musical: Emma Stone por "La La Land"
Mejor actor secundario: Aaron Taylor Johnson por "Nocturnal animals"
Mejor actriz secundaria: Viola Davis por "Fences"
Mejor guión: La La Land
Mejor banda sonora: La La Land
Mejor canción: La La Land
Mejor película extranjera: Elle
Mejor película animada: Zootropolis
Mejor serie drama: The Crown
Mejor serie comedia: Atlanta
Mejor actor serie drama: Billy Bob Thornton por "Goliath"
Mejor actor serie comedia: Donald Glover por "Atlanta"
Mejor actriz serie drama: Claire Foy por "The Crown"
Mejor actriz serie comedia: Tracee Ellis Ross por "Black-is"
Mejor miniserie: American Crime Story
Mejor actor miniserie: Tom Hiddleston por "El infiltrado"
Mejor actriz miniserie: Sara Paulson por "American Crime Story"
Mejor actor secundario miniserie/serie: Hugh Laurie por "El infiltrado"
Mejor actriz secundaria miniserie/serie: Olivia Colman por "El infiltrado"
Premio honorifico Golden Globe 2016: Meryl Streep


¡¡¡¡¡¡¡YA QUEDA MENOS PARA LOS OSCARS 2017!!!!!!!!

domingo, 8 de enero de 2017

CAMINO A LOS OSCARS: SILENCIO



Título original: Silence
Director: Martin Scorsese
Guión: Jay Cocks, Martin Scorsese
Fotografía: Rodrigo Prieto
Música: Kim Allen Kluge, Kathryn Kluge
Reparto: Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Issei Ogata, Tadanobu Asano, Shin'ya Tsukamoto
Distribuidora: Paramount Pictures
Nacionalidad: Estados Unidos
Duración: 161 minutos



La nueva propuesta de Martin Scorsese es una de las más personales de su filmografía. La búsqueda de la fe, de su propio interior, de la cuestión sobre la religión, de su espiritualidad. Todo esto es lo que el espectador disfruta a lo largo de las tres horas que duran el film. Tediosa, repetitiva, pero maravillosamente fotografiada. Esta vez, Scorsese se ha tirado a la piscina de cabeza y ha caído de plancha. "Silencio" (Silence, Martin Scorsese, 2016) es la película con la que cierra su trilogía sobre la fe cristiana y el interior humano. Y más que la fe, habla sobre la fe de él mismo. A la religión, al cine. Es un trabajo arduo y llamativo que al público en general le parecerá cansada, fría, lenta, e incluso, a veces, angustiosa. No es su "El lobo de Wall Street" (The Wolf of Wall Street, Martin Scorsese, 2013) ni su "Casino" (Idem, Martin Scorsese, 1995) ni su "Toro salvaje" (Raging bull, Martin Scorsese, 1980), es todo lo contrario. Nada de montaje furtivo y acelerado, nada de diálogos entre cruzados. Un film silencioso, pero muy silencioso... Narra la historia de dos jesuitas portugueses que viajan a Japón en busca de su mentor que tras ser perseguido y torturado se dice que ha renunciado a su fe y ha apostatado de la religión cristiana...


El guión tiene muchísimos clichés religiosos. Cocks y Scorsese se han alimentado del cine de DeMille y del libro de Endo. La voz en off cansa y hace que la interacción de los personajes sea más lenta. No existe acciones a lo largo del film. Y aunque se piense que llegue a ser dialéctica y se cuestione la fe y la religión, el público puede sentirse estafado y prefiera disfrutar de este film en Pascuas o alimentarse de Mel Gibson y su "La pasión de Cristo" (Passion of the Christ, Mel Gibson, 2004). No es apta para todo el público e incluso los más allegados a Scorsese puedan sentirse repudiados. El guión se convierte en puro cine evangélico y autorreflexivo.


Andrew Garfield cumple con su cometido. Su papel de jesuita totalmente metafísico y con un cierto parecido razonable a Jesucristo, se le hace grande en varios momentos de la historia y aunque actualmente sea uno de los nombres comunes del cine actual necesita dar un salto de calidad (y lo dará próximamente). El personaje de Adam Driver es alucinante, su rostro penetra ante el espectador y él, si que consigue lo que esperamos ver, esa cuestión de fe que se nubla a lo largo de la historia. Liam Neeson tiene sus minutos de gloria que recuerdan a Qui Gon Jin en la famosa saga. Y los que si que están fenomenalmente son los actores japoneses, Issei Ogata y Tadanobu Asano. Al ser el guión tedioso, Scorsese sucumbe a la perfección con la fotografía de Rodrigo Prieto. Una iluminación maravillosa, unos planos cenitales espectaculares, los gran angulares como los teleobjetivos son alucinantes. Y si te aburre la historia o los personajes, disfruta del color y su ruleta que tiene la fotografía de Prieto. Scorsese sabe transmitir su anegado dolor de la fe a través de la imagen. ¿Y la música? La música de los Kluge es crucial y, aunque los silencios abundan, la percusión en los momentos álgidos funciona... Hay tramos que el montaje es excesivo o trastocado, pero es el sello de Scorsese, su manual de cine.


"Silencio" es un viaje terrenal, es un cine metafísico, es un drama histórico religioso que dejará a la gente con la boca abierta. Es una epopeya épica sobre la espiritualidad del ser humano y es una oda a la muerte de la religión. Es una lucha de poder entre fe y alma. Y Scorsese eso lo ha sabido. David Lean o Carl Thor Dreyer estarán encantados con él, los cineastas de la actualidad lo verán como su Epifanía. No es un cine que el público empatice, pero si que es un cine del que hay que revisar una vez en tu vida..., por saber de que va y por que es Scorsese, nada más...

NOTA CINE-OCULTO: 6,5/10

jueves, 5 de enero de 2017

CRÍTICA: ASSASSIN'S CREED



Título original: Assassin's Creed
Director: Justin Kurzel
Guión: Adam Cooper, Bill Collage, Michael Lesslie
Fotografía: Adam Arkapaw
Música: Jed Kurzel
Reparto: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, Charlotte Rampling, Brendan Greeson, Javier Gutiérrez
Distribuidora: 20th Century Fox
Nacionalidad: Estados Unidos
Duración: 108 minutos




Antes de comenzar la crítica, me gustaría daros la bienvenida al nuevo año, el año 2017. Y para ello, "Assassin's Creed" (Idem, Justin Kurzel, 2016), la nueva y esperada película palomitera referente al mundo de los videojuegos. No es una maravilla, pero tampoco es un bodrio de altas pretensiones. Cumple con su cometido, consigue entretener al público, pero no hay que buscar conexiones entre historia, guión o planificación de cámara. El diálogo es nulo y el montaje es excesivamente complejo y poco concluyente. "Assassin's Creed" cuenta la historia de Callum Lunch, un presidiario del futuro descendiente de Aguilar, un antepasado suyo que vivió durante el siglo XV. Él pertenece al mundo de los assassins quienes escondieron un instrumento capaz de llegar a la inmortalidad, pero un grupo de personas lo buscan desesperadamente...


El guión hace aguas por todos los lados, el diálogo (como se ha escrito anteriormente) es nulo y los conflictos totalmente pasan desapercibidos. Aunque tenga sus debilidades y sus perjuicios (más de lo habitual) es entretenida y, a veces, divertida. Un guión a seis manos puede llevar a cabo un buena obra, pero en este caso, no ha sido así. Los personajes están muy mal dibujados y referente a basarse a la historia real, no tiene nada en común. Se ha convertido la historia en un caos interminable y soso. Se hace confusa y las piruetas de los protagonistas se hacen pesadas...


Michael Fassbender no consigue reflotar su personaje para ser querido. Es verdad, que la película es entretenida, pero no tiene que conseguir que los personajes estén bien desarrollados. Realmente, Fassbender lo intenta pero se queda en el camino. Su faceta más artística y su mirada penetrante, en este film, se volatiliza. Los demás actores están sobrevalorados y muy por encima de sus posibilidades, e incluso nuestro querido Javier Gutiérrez. Los efectos especiales son su elemento más fuerte. La fotografía de Arkapaw también subyace en ser potente. La utilización de varios planos secuencia e incluso las cabezas calientes son gladilocuentes. Una película para agradar al espectador. Que el público se lo pase bien y que durante casi dos horas no le busque cinco patas al gato. Si eres un amante del cine sin sentido y alineado a la pura acción, este es tu sitio.


"Assassin's Creed" consigue ser, realmente, la mejor película basada en un videojuego gracias a su fotografía y sus efectos, pero aún queda mucha pared por escalar. La película es confusa e intenta ser seria, es redimida por su arte visual, es energética y desigual y llega a ser un batiburrillo de acción sin ritmo interno, entretenida en lo externo y con subtramas abiertas que deberían de ser cerradas, si hubiera una segunda parte...

NOTA CINE-OCULTO: 5,5/10

viernes, 30 de diciembre de 2016

CINE-OCULTO: LA AUTOPSIA JANE DOE



Título original: The Autopsy de Jane Doe
Director: André Ovredal
Guión: Ian Goldberg, Richard Naing
Fotografía: Roman Osin
Reparto: Emily Hirsch, Brian Cox, Ophelia Lovibond
Distribuidora: Impostor Pictures
Duración: 99 minutos
Nacionalidad: Reino Unido





Una gran película repleta de clichés terroríficos y dos actores con chispa y química. El juego del terror psicológico es su plato más fuerte. A sabiendas que lo desconocido es lo que da más temor al espectador, "La autopsia de Jane Doe" (The autopsy of Jane Doe, André Ovredal, 2016) crea una atmósfera muy poco común y a la vez, muy llamativa, todo ocurre en una única localización y sólo dos actores y un cadáver. La fuerza de los dos actores y un guión con sutilezas consiguen que el espectador quede atrapado a lo largo de sus noventa minutos. Ovredal ha hecho un gran trabajo y como su ópera prima "Trollhunter" (Idem, André Ovredal, 2013) sabe crear suspense a lo invisible y gran amante de la creación del terror psicológico... "La autopsia de Jane Doe" narra la historia de un dueño de una funeraria cuando recibe el cuerpo de una muchacha muerta. Las autoridades quieren saber de que ha muerto, por lo que el dueño y su hijo comienzan a realizarle la autopsia. Pero cuando comienzan, sabrán lo que habrán hecho y no hay vuelta atrás...


Más bien no es terror psicológico del todo. Pero el guión de Goldberg y de Naing tienen ese suspense tan característico de los años 70 y 80. Con un comienzo fulgurante y apasionante, donde a cada minuto ocurre algo sin que lo sepas, tiende a llevar a cabo una segunda parte más convencional. No quiere decir que sea malo del todo, pero es un trabajo muy bien llevado para que todo tipo de público quede enganchado. El ritmo es frenético, la habilidad de crear dentro de la historia una relación paterno-filial fluye como agua en un río. El conflicto externo es del todo llevadero y demostrado y los momentos de recuerdos conllevan a solucionar ciertas preguntas a lo largo del film.


Emily Hirsch como Brian Cox hacen un gran trabajo. No es que sean la perfección como actores, pero mantienen en vilo al espectador. El poco gore y el terror de Ovredal no es tan drástico, por lo que el espectador nunca podrá echarse atrás. La dirección es un paso muy grande para Ovredal, ya que gracias a este film, es posible que se le abran puertas en cualquier lugar. Sus trabajos tienen momentos de lucidez y de gran dirección que soluciona con los típicos fallos de dirección novel. Un diamante al que se debe pulir que como su mentor James Wan, es un gran amante del cine de terror. La fotografía de Roman Osin no es demencial, pero la utilización de sombras funciona a la perfección. La realización con cámaras digitales es un gran acierto e incluso la utilización de otro tipo de iluminación. Es un trabajo muy laborioso y fructuoso.


Hay que admitir que la música está ausente a lo largo de los noventa minutos, por lo que el juego de sonidos y efectos es su fuerte. Una película muy interesante con sus toques psicológicos, sus momentos de monstruos y el gran carisma de Jane Doe. Hacen que "La autopsia de Jane Doe" sea un agrado para el espectador y un film con tensión, ritmo, química y fuerza. Verla con mucho atención.

NOTA CINE-OCULTO: 6,5/10

DISTRIBUIDORAS:
DIRECTAMENTE A DVD (ECHARLE UN OJO POR SI HICIERA FALTA)

jueves, 29 de diciembre de 2016

CINE-OCULTO: LA LUZ ENTRE LOS OCÉANOS



Título original: The lighting between oceans
Director: Derek Cianfrance
Guión: Derek Cianfrance
Fotografía: Adam Arkapaw
Música: Alexandre Desplat
Reparto: Michael Fassbender, Alicia Vikander, Rachel Weisz, Anthony Hayes
Distribuidora: Dreamworks SKG
Duración: 130 minutos
Nacionalidad: Estados Unidos




Esta romántica película de Derek Cianfance no rompe los estereotipos actuales, pero tampoco no es un entretenimiento del todo perfecto. Protagonizada por la pareja más sensual del año, aquí no existe ese carisma que triunfa en las portadas e incluso en otras obras cinematográficas...todo lo contrario... Se mezclan en una sensiblería y ñoñería pobre con un drama de época. El sentido de Cianfrance hacia donde se dirige la película tampoco es el acertado y aunque el espectador entre en el trapo no sentirá en ningún momento lo que ellos sienten. Pretende ser seria y no lo consigue... "La luz entre los océanos" (The lighting between oceans, Derek Cianfrance, 2016) narra la historia de Tom, el nuevo farorero, y su esposa Isabel cuando descubren el cuerpo de un hombre muerto en una barca y dentro de ella, una niña viva. Deciden adoptar al bebé sin avisar a las autoridades pero cuando descubren que la madre biológica sigue viva todo se complicará...


Aunque tienda a ser preciosa, es pesada y ridícula en muchas ocasiones. El guión de Cianfrance basado en la novela es tedioso. Empieza con fuerza, con puntos álgidos muy bien llevados que poco a poco desaparecen. Los diálogos son sosos y sencillos. Michael Fassbender y Alicia Vikander no son capaces de llevarlos a la perfección. El guión se convierte en un gran culebrón. Tiene todas las características de ello fundamente en el juego de las emociones y el deber (donde, como no, empieza con el amor y termina con la redención). Intenta recargar el guión a base de conflictos internos muy mal llevados y que se ven a la legua. El buen trabajo que realizó con "Blue Valentine" (Idem, Derek Cianfrance, 2010) no se ve en este film. Pero...


Pero la fotografía de Arkapaw es demencial. Los planos llevados a cabo por él y Ciafrance son espectaculares. El juego de tonos azulados y las referencias a cuadros de Monet o Manet son fundamentales. Los claroscuros son muy bien llevados y el arte de la producción es exquisita. Desplat entra con fuerza, aunque a lo largo de la película también desaparece. Lo mismo ocurre con las actuaciones de Fassbender y Vikander, que aunque intenten arreglarlo lo mejor posible no lo consiguen. Cianfrance se ha preocupado más en las imágenes que en el guión como en las actuaciones y así no se hace cine. Es el conjunto del todo lo que consigue que la historia sea perfecta mediante imágenes y palabras. Su primer trabajo, otro drama romántico y precioso como pretencioso era perfecto y el montaje adulador, pero ha caído en su ego y su cine no es tan bello como antes. "La luz entre los océanos" tiene muchos defectos y pocos logros.


Aunque su estreno es España tarde, puede ser perjudicial. Los críticos y el público no la han bautizado muy bien fuera de tierras españolas. Cianfrance, gran director de las emociones, no cautiva y aunque intenta llevar empatía, dolor, pérdida, amor y redención, la historia no ha sido llevada a la preciosidad y la belleza, el problema es, que peca en abundancia de ello...

NOTA CINE-OCULTO: 4,5/10

DISTRIBUIDORAS:
DIRECTAMENTE EN DVD (AUNQUE DARÍA UNA PEQUEÑA OPORTUNIDAD EN LOS CINES...)